Duke Ellington - Duke Ellington

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Duke Ellington
Ellington c. Década de 1940
Ellington c. Década de 1940
Informação de fundo
Nome de nascençaEdward Kennedy Ellington
Nascermos(1899-04-29)29 de abril de 1899
Washington DC., EUA
Morreu24 de maio de 1974(1974-05-24) (com 75 anos)
Cidade de Nova York, EUA
GênerosJazz, balanço
Ocupação (ões)
  • Bandleader
  • Músico
  • Compositor
InstrumentosPiano
Anos ativos1914–1974
Atos associadosBilly Strayhorn
Local na rede InternetDukeellington.com

Edward Kennedy "Duque" Ellington (29 de abril de 1899 - 24 de maio de 1974) foi um compositor, pianista e líder de uma orquestra de jazz, que liderou de 1923 até sua morte ao longo de uma carreira de mais de seis décadas.[1]

Nasceu em Washington DC., Ellington era baseado em Cidade de Nova York a partir de meados da década de 1920 e ganhou um perfil nacional com as apresentações de sua orquestra no Cotton Club dentro Harlem. Na década de 1930, sua orquestra fez uma turnê pela Europa. Embora amplamente considerada uma figura central na história da jazz, Ellington abraçou a frase "além da categoria" como um princípio libertador e se referiu à sua música como parte da categoria mais geral da música americana.[2]

Alguns dos músicos de jazz que integraram a orquestra de Ellington, como o saxofonista Johnny Hodges, são considerados entre os melhores jogadores do idioma. Ellington os fundiu na unidade orquestral mais conhecida da história do jazz. Alguns membros permaneceram com a orquestra por várias décadas. Um mestre em escrever miniaturas para o formato de gravação de 78 rpm de três minutos, Ellington escreveu mais de mil composições; seu extenso corpo de trabalho é o maior legado de jazz pessoal registrado, e muitas de suas peças se tornaram padrões. Ele também gravou músicas escritas por seus integrantes, por exemplo Juan Tizolde "Caravana", e"Perdido", que trouxe um Matiz espanhol ao jazz de big band. No início dos anos 1940, Ellington iniciou uma colaboração de quase trinta anos com o compositor-arranjador-pianista Billy Strayhorn, a quem ele chamou de seu companheiro de escrita e arranjo.[3] Com Strayhorn, ele compôs muitas composições estendidas, ou suítes, bem como peças curtas adicionais. Após uma apresentação no Festival de Jazz de Newport em julho de 1956, Ellington e sua orquestra tiveram um grande revival e embarcaram em turnês mundiais. Ellington gravou para a maioria das gravadoras americanas de sua época, atuou e fez trilhas para vários filmes e compôs um punhado de musicais para teatro.

Ellington era conhecido por seu uso criativo da orquestra, ou big band, e por sua eloqüência e carisma. Sua reputação continuou a crescer depois que ele morreu, e ele foi premiado com um título póstumo Prêmio Pulitzer Prêmio Especial para música em 1999.[4]

Infância e educação

Ellington nasceu em 29 de abril de 1899, filho de James Edward Ellington e Daisy (Kennedy) Ellington em Washington, D.C. Ambos seus pais eram pianistas. Daisy jogou principalmente canções de salão, e James preferia a ópera árias. Eles moravam com os pais de Daisy em 2129 Ida Place (agora Ward Place), NW, em D.C. extremo oeste Vizinhança.[5] O pai de Duke nasceu em Lincolnton, Carolina do Norte, em 15 de abril de 1879, e mudou-se para D.C. em 1886 com seus pais.[6] Daisy Kennedy nasceu em Washington, D.C., em 4 de janeiro de 1879, filha de dois ex-americanos escravos.[5][7] James Ellington fez plantas para o Marinha dos Estados Unidos.

Quando Edward Ellington era criança, sua família demonstrou orgulho racial e apoio em sua casa, assim como muitas outras famílias. Afro-americanos em D.C. trabalharam para proteger seus filhos da época Jim Crow leis.[8]

Aos sete anos, Ellington começou a ter aulas de piano com Marietta Clinkscales. Daisy cercou o filho de mulheres dignas para reforçar suas maneiras e ensinar-lhe elegância. Seus amigos de infância notaram que suas maneiras casuais e descuidadas e suas roupas elegantes davam-lhe a postura de um jovem nobre,[9] então eles começaram a chamá-lo de "duque". Ellington atribuiu a seu amigo Edgar McEntree o apelido. "Acho que ele sentiu que, para que eu fosse elegível para sua companhia constante, eu deveria ter um título. Então ele me chamou de duque."[10]

Embora Ellington tivesse aulas de piano, ele estava mais interessado em beisebol. "Presidente Roosevelt (Teddy) às vezes passava no cavalo dele, parava para ver a gente brincar ", lembrou.[11] Ellington foi para Armstrong Technical High School em Washington, D.C. Seu primeiro emprego foi vendendo amendoim em Senadores de Washington jogos de beisebol.

Ellington começou a entrar sorrateiramente na sala de bilhar de Frank Holiday aos quatorze anos. Ouvir a música dos pianistas da sala de sinuca despertou o amor de Ellington pelo instrumento, e ele começou a levar seus estudos de piano a sério. Entre os muitos pianistas que ouviu estavam Doc Perry, Lester Dishman, Louis Brown, Turner Layton, Gertie Wells, Clarence Bowser, Sticky Mack, Blind Johnny, Cliff Jackson, Claude Hopkins, Phil Wurd, Caroline Thornton, Luckey Roberts, Eubie Blake, Joe Rochester e Harvey Brooks.[12]

No verão de 1914, enquanto trabalhava como refrigerante no Poodle Dog Café, Ellington escreveu sua primeira composição, "Soda Fountain Trapo"(também conhecido como" Poodle Dog Rag "). Ele criou a peça de ouvido, pois ainda não tinha aprendido a ler e escrever música." Eu tocava o 'Soda Fountain Rag' como um um passo, dois passos, valsa, tangoe fox trot", Ellington lembrou." Os ouvintes nunca souberam que era a mesma peça. Estabeleci-me como tendo meu próprio repertório. "[13] Em sua autobiografia, Musica é minha amante (1973), Ellington escreveu que perdeu mais aulas do que assistiu, sentindo na época que piano não era seu talento.

Ellington continuou a ouvir, assistir e imitar ragtime pianistas, não apenas em Washington, D.C., mas também em Filadélfia e Cidade atlântica, onde ele passava as férias com sua mãe durante o verão.[13] Ele às vezes ouvia música estranha tocada por aqueles que não podiam pagar muitas partituras, então, para variações, eles tocavam as folhas de cabeça para baixo.[14] Henry Lee Grant, um Dunbar High School professor de música, deu-lhe aulas particulares de harmonia. Com a orientação adicional do pianista de Washington e líder da banda Oliver "Doc" Perry, Ellington aprendeu a ler partitura, projete um estilo profissional e aprimore sua técnica. Ellington também foi inspirado por seus primeiros encontros com pianistas de passadas James P. Johnson e Luckey Roberts. Mais tarde, em Nova York, ele recebeu conselhos de Will Marion Cook, Fats Waller e Sidney Bechet. Ele começou a fazer shows em cafés e clubes em Washington, D.C. Seu apego à música era tão forte que em 1916 ele recusou uma bolsa de arte para o Pratt Institute no Brooklyn. Três meses antes de se formar, ele abandonou a Armstrong Manual Training School, onde estudava arte comercial.[15]

Carreira

Início de carreira

Trabalhando como pintor autônomo desde 1917, Ellington começou a reunir grupos para tocar em bailes. Em 1919 ele conheceu baterista Sonny Greer de New Jersey, que encorajou a ambição de Ellington de se tornar um músico profissional. Ellington construiu seu negócio musical por meio de seu trabalho diurno: quando um cliente lhe pedia para fazer um sinal para um baile ou festa, ele perguntava se eles tinham entretenimento musical; caso contrário, Ellington se ofereceria para jogar para a ocasião. Ele também trabalhou como mensageiro na Marinha dos EUA e nos departamentos de Estado, onde fez uma ampla gama de contatos.

Ellington mudou-se da casa de seus pais e comprou sua própria casa ao se tornar um pianista de sucesso. No início, ele tocou em outros conjuntos, e no final de 1917 formou seu primeiro grupo, "The Duke's Serenaders" ("Coloured Syncopators", proclamava sua lista telefônica).[15] Ele também era o agente de reservas do grupo. Seu primeiro show foi no True Reformer's Hall, onde ele levou para casa 75 centavos.[16]

Ellington jogou em toda a área de D.C. e em Virgínia para bailes da sociedade privada e festas da embaixada. A banda incluiu amigo de infância Otto Hardwick, que começou a tocar baixo de cordas, mudou-se para o sax melodia C e finalmente se estabeleceu no saxofone alto; Arthur Whetsol na trombeta; Elmer Snowden no banjo; e Sonny Greer na bateria. A banda prosperou, apresentando-se tanto para o público afro-americano quanto para o público branco, uma raridade no segregado sociedade do dia.[17]

Prensagem britânica de "East St. Louis Toodle-Oo" (1927)

Quando seu baterista Sonny Greer foi convidado para se juntar ao Wilber Sweatman Orquestra da cidade de Nova York, Ellington deixou sua carreira de sucesso em D.C. e mudou-se para Harlem, em última análise, tornando-se parte do renascença do Harlem. Novas manias de dança, como o charleston surgiu no Harlem, bem como afro-americano Teatro musical, Incluindo Eubie Blakede Shuffle Along. Depois que os jovens músicos deixaram a Sweatman Orchestra para começar por conta própria, eles encontraram uma cena de jazz emergente que era altamente competitiva e difícil. Eles piscina agitada durante o dia e tocavam em todos os shows que podiam. A jovem banda conheceu o pianista stride Willie "O Leão" Smith, que os apresentou à cena e lhes deu algum dinheiro. Eles jogaram em festas em casa de aluguel para renda. Depois de alguns meses, os jovens músicos voltaram para Washington, D.C., sentindo-se desanimados.

Em junho de 1923 eles fizeram um show em Atlantic City, Nova Jersey e outro no prestigioso Clube Exclusivo do Harlem. Isso foi seguido em setembro de 1923 por uma mudança para o Hollywood Club (na rua 49 com a Broadway) e um noivado de quatro anos, o que deu a Ellington uma base artística sólida. Ele era conhecido por jogar o cornetim no final de cada performance. O grupo foi inicialmente chamado de Elmer Snowden e sua Orquestra Black Sox e tinha sete membros, incluindo o trompetista James "Bubber" Miley. Eles se renomearam The Washingtonians. Snowden deixou o grupo no início de 1924 e Ellington assumiu como líder da banda. Depois de um incêndio, o clube foi reaberto como Clube Kentucky (frequentemente conhecido como Kentucky Club).

Ellington então fez oito discos em 1924, recebendo crédito de composição em três, incluindo "Choo Choo".[18] Em 1925, Ellington contribuiu com quatro canções para Chocolate Kiddies estrelando Lottie Gee e Adelaide Hall,[19] uma revista totalmente afro-americana que apresentou ao público europeu os estilos e artistas afro-americanos. Duke Ellington e sua Kentucky Club Orchestra cresceram para um grupo de dez músicos; eles desenvolveram seu próprio som exibindo a expressão não tradicional dos arranjos de Ellington, os ritmos de rua do Harlem e os rugidos e wah-wahs de trombone com som exótico, trompetes estridentes e licks de blues de saxofone dos membros da banda. Por um breve período, saxofonista soprano Sidney Bechet jogou com eles, transmitindo sua propulsão balanço e musicalidade superior para os jovens membros da banda.

Envolvimento do Cotton Club

Em outubro de 1926, Ellington fez um acordo com a editora-agente Irving Mills,[20] dando a Mills uma participação de 45% no futuro de Ellington.[21] Mills tinha um olho para novos talentos e composições publicadas por Hoagy Carmichael, Dorothy Fieldse Harold Arlen no início de suas carreiras. Depois de gravar um punhado de títulos acústicos durante 1924-26, a assinatura de Ellington com Mills permitiu-lhe gravar de forma prolífica, embora às vezes ele gravasse versões diferentes da mesma melodia. Mills freqüentemente recebia crédito de co-compositor. Desde o início de seu relacionamento, Mills organizou sessões de gravação em quase todas as gravadoras, incluindo Brunswick, Vencedor, Columbia, Okeh, Pathê (e seu rótulo Perfect), o grupo de rótulos ARC / Plaza (Oriole, Domino, Jewel, Banner) e seus rótulos de lojas de baixo custo (Cameo, Lincoln, Romeo), Hit of the Week e rótulos mais baratos de Columbia (Harmony, Diva , Velvet Tone, Clarion) que deram a Ellington reconhecimento popular. No OKeh, seus discos geralmente eram emitidos como The Harlem Footwarmers, enquanto os de Brunswick eram geralmente emitidos como The Jungle Band. Whoopee Makers e os Ten Black Berries eram outros pseudônimos.

Em setembro de 1927, King Oliver recusou uma reserva regular para seu grupo como a banda local do Harlem's Cotton Club;[22] a oferta foi passada para Ellington após Jimmy McHugh sugeriu que ele e Mills arranjaram uma audição.[23] Ellington teve que aumentar de um grupo de seis para onze pessoas para atender aos requisitos da gestão do Cotton Club para a audição,[24] e o noivado finalmente começou em 4 de dezembro.[25] Com uma transmissão de rádio semanal, a clientela exclusivamente branca e rica do Cotton Club aparecia todas as noites para vê-los. No Cotton Club, o grupo de Ellington executou toda a música para as revistas, que misturavam comédia, números de dança, vaudeville, burlesco, música e álcool ilícito. Os números musicais foram compostos por Jimmy McHugh e as letras por Dorothy Fields (mais tarde Harold Arlen e Ted Koehler), com alguns originais de Ellington misturados. (Aqui ele foi morar com uma dançarina, sua segunda esposa Mildred Dixon) Transmissões semanais de rádio do clube deram a Ellington exposição nacional, enquanto Ellington também gravou Fields-JMcHugh e Fats WallerAndy Razaf canções.

Adelaide Hall - Adelaide Hall, gravado Chamada de Amor crioula com Ellington em 1927. A gravação se tornou um sucesso mundial.

Embora trompetista Bubber Miley foi membro da orquestra por um curto período, ele teve uma grande influência no som de Ellington.[26] Como um dos primeiros expoentes do trompete rosnado, Miley mudou o doce som da banda de dança do grupo para um mais quente, que os contemporâneos chamavam de Jungle Style. Em outubro de 1927, Ellington e sua Orquestra gravaram várias composições com Adelaide Hall. Um lado em particular, "Chamada de Amor crioula", se tornou uma sensação mundial e deu a Ellington e Hall seu primeiro disco de sucesso.[27][28] Miley tinha composto a maior parte de "Chamada de Amor crioula"e"Fantasia preta e castanha". Uma alcoólatra, Miley teve que deixar a banda antes que ganhassem fama mais ampla. Ele morreu em 1932 aos 29 anos, mas foi uma influência importante na Cootie Williams, que o substituiu.

Em 1929, a Orquestra do Cotton Club apareceu no palco por vários meses em Florenz ZiegfeldShow Girl, junto com estrelas do vaudeville Jimmy Durante, Eddie Foy, Jr., Ruby Keeler, e com música e letras de George Gershwin e Gus Kahn. Will Vodery, Supervisor musical de Ziegfeld, recomendou Ellington para o show, e, de acordo com John Hasse's Além da categoria: a vida e o gênio de Duke Ellington, "Talvez durante a temporada de Show Girl, Ellington recebeu o que mais tarde chamou de 'lições valiosas de orquestração' de Will Vodery.” Em sua biografia de 1946, Duke Ellington, Barry Ulanov escrevi:

De Vodery, como ele (Ellington) diz a si mesmo, ele desenhou seu cromático convicções, seus usos dos tons normalmente estranhos ao escala diatônica, com a conseqüente alteração do caráter harmônico de sua música, seu alargamento, O aprofundamento de seus recursos. Tornou-se costume atribuir as influências clássicas sobre Duke - Delius, Debussy e Ravel - para contato direto com sua música. Na verdade, sua apreciação séria por aqueles e outros compositores modernos veio após seu encontro com Vodery.[29]

O trabalho cinematográfico de Ellington começou com Preto e bronzeado (1929), um afro-americano de 19 minutos RKO baixo[30] em que ele interpretou o herói "Duke". Ele também apareceu no Amos 'n' Andy filme Verificar e verificar duas vezes, lançado em 1930. Naquele ano, Ellington e sua Orquestra se conectaram com um público totalmente diferente em um show com Maurice Chevalier e eles também se apresentaram no Roseland Ballroom, "Salão de baile mais importante da América". Compositor nascido na Austrália Percy Grainger foi um dos primeiros admiradores e apoiadores. Ele escreveu "Os três maiores compositores que já viveram são Bach, Delius e Duke Ellington. Infelizmente Bach está morto, Delius está muito doente, mas estamos felizes por ter conosco hoje o duque ".[31] O primeiro período de Ellington no Cotton Club terminou em 1931.

Início dos anos 1930

Ellington liderou a orquestra regendo a partir do teclado usando pistas de piano e gestos visuais; muito raramente regia com bastão. Em 1932, sua orquestra consistia em seis instrumentos de sopro, quatro palhetas e uma seção rítmica de quatro homens.[32] Como líder de banda, Ellington não era um disciplinador estrito; ele manteve o controle de sua orquestra com uma combinação de charme, humor, lisonja e psicologia astuta. Uma pessoa complexa e privada, ele revelava seus sentimentos apenas para seus íntimos mais próximos e efetivamente usava sua persona pública para desviar a atenção de si mesmo.

Ellington assinou contrato exclusivamente com a Brunswick em 1932 e permaneceu com eles até o final de 1936 (embora com uma mudança de curta duração de 1933-34 para Victor quando Irving Mills temporariamente o transferiu e seus outros atos de Brunswick).

Com o agravamento da Depressão, a indústria fonográfica entrou em crise, perdendo mais de 90% de seus artistas em 1933.[33] Ivie Anderson foi contratada como vocalista da Ellington Orchestra em 1931. Ela é a vocalista do "Não significa nada (se não tiver esse swing)"(1932) entre outras gravações. Sonny Greer tinha fornecido vocais ocasionais e continuou a fazer um recurso de conversa cruzada com Anderson. A exposição ao rádio ajudou a manter o perfil público de Ellington quando sua orquestra começou a fazer turnê. Os outros discos desta época incluem: "Índigo do humor" (1930), "Senhora sofisticada" (1933), "Solidão"(1934) e"Em um humor sentimental" (1935)

Enquanto o público da banda nos Estados Unidos permaneceu principalmente afro-americano neste período, a orquestra de Ellington teve uma sequência significativa de seguidores no exterior, exemplificado pelo sucesso de sua viagem à Inglaterra e Escócia em 1933 e sua visita de 1934 ao continente europeu. Em 12 de junho de 1933, a Duke Ellington Orchestra fez sua estreia britânica no London Palladium, que também foi sua primeira apresentação em concerto (ao invés de apresentações em boates, casas de dança e hotéis). Para sua primeira apresentação nos Estados Unidos, em Carnegie Hall, Ellington teve que esperar até 23 de janeiro de 1943. A visita britânica viu Ellington receber elogios de membros da comunidade musical séria, incluindo o compositor Constant Lambert, o que deu um impulso ao interesse de Ellington em compor obras mais longas.

Essas peças mais longas já começaram a aparecer. Ele compôs e gravou "Creole Rhapsody" já em 1931 (emitido como ambos os lados de um disco de 12 "para Victor e ambos os lados de um disco de 10" para Brunswick), e uma homenagem à sua mãe, "Reminiscing in Tempo", levou quatro lados do registro de 10 "para gravar em 1935 após sua morte naquele ano. Symphony in Black (também 1935), um curta-metragem, apresentou sua longa peça 'A Rapsódia da Vida do Negro'. Introduziu Billie Holiday, e ganhou um prêmio acadêmico como o melhor curta musical.[34] Ellington e sua orquestra também apareceram nos longas Assassinato nas Vaidades e Bela dos anos noventa (ambos 1934).

Para o agente Mills, a atenção foi um triunfo publicitário, já que Ellington era agora conhecido internacionalmente. Na turnê da banda pelo Sul segregado em 1934, eles evitaram algumas das dificuldades de viagem dos afro-americanos viajando em vagões particulares. Estes forneciam acomodações fáceis, refeições e armazenamento para equipamentos, evitando as indignidades de instalações segregadas.

A competição estava se intensificando, porém, à medida que bandas de swing como Benny Goodmancomeçou a receber atenção popular. O swing se tornou um fenômeno juvenil, especialmente com o público branco de universitários, e a dança impulsionou as vendas e reservas de discos. Jukeboxes proliferou em todo o país, espalhando o evangelho do swing. A banda de Ellington certamente poderia swing, mas seus pontos fortes eram humor, nuance e riqueza de composição, daí sua declaração "jazz é música, swing é negócio".[35]

O final dos anos 1930

A partir de 1936, Ellington começou a fazer gravações com grupos menores (sextetos, octetos e nonets) retirados de sua orquestra de então 15 homens e compôs peças destinadas a apresentar um instrumentista específico, como com "Jeep's Blues" para Johnny Hodges, "Anseio por Amor" para Lawrence Brown, "Trombeta de Espadas" para Rex Stewart, "Echoes of Harlem" para Cootie Williams e "Clarinet Lament" para Barney Bigard. Em 1937, Ellington voltou ao Cotton Club, que havia se mudado para o centro da cidade Theatre District. No verão daquele ano, seu pai morreu e, devido a muitas despesas, as finanças de Ellington estavam apertadas, embora sua situação melhorasse no ano seguinte.

Depois de deixar o agente Irving Mills, ele assinou com o Agência William Morris. Mills, entretanto, continuou a gravar Ellington. Depois de apenas um ano, seus selos Master e Variety (os pequenos grupos gravaram para o último), ruíram no final de 1937, Mills colocou Ellington de volta em Brunswick e aquelas unidades de pequenos grupos no Vocalion até 1940. Lados bem conhecidos continuaram a ser gravados , "Caravana"em 1937, e" I Let a Song Go Out of My Heart "no ano seguinte.

Ellington em 1939

Billy Strayhorn, originalmente contratado como letrista, começou sua associação com Ellington em 1939.[36] Apelidado de "Swee 'Pea" por suas maneiras gentis, Strayhorn logo se tornou um membro vital da organização Ellington. Ellington demonstrou grande carinho por Strayhorn e nunca deixou de falar com entusiasmo sobre o homem e sua relação de trabalho colaborativa, "meu braço direito, meu braço esquerdo, todos os olhos na parte de trás da minha cabeça, minhas ondas cerebrais em sua cabeça e o dele meu".[37] Strayhorn, com sua formação em música clássica, não apenas contribuiu com suas letras e músicas originais, mas também arranjou e poliu muitas das obras de Ellington, tornando-se um segundo Ellington ou "doppelganger de Duke". Não era incomum que Strayhorn substituísse Duke, fosse regendo ou ensaiando a banda, tocando piano, no palco e no estúdio de gravação.[38] A década de 1930 terminou com uma turnê européia de muito sucesso, assim como a Segunda Guerra Mundial se aproximava da Europa.

Ellington do início a meados da década de 1940

Duke Ellington no Hurricane Club, Broadway & W. 51St, cidade de Nova York,[39] Maio de 1943

Alguns dos músicos que se juntaram a Ellington nessa época criaram uma sensação por direito próprio. O de curta duração Jimmy Blanton transformou o uso do contrabaixo no jazz, permitindo que funcionasse como um instrumento solo / melódico ao invés de um instrumento de ritmo sozinho. Uma doença terminal o forçou a sair no final de 1941, depois de apenas cerca de dois anos. Ben Webster, o primeiro saxofonista tenor regular da orquestra, cujo mandato principal com Ellington se estendeu de 1939 a 1943, iniciou uma rivalidade com Johnny Hodges como a voz mais importante da orquestra na seção de sax.

Trompetista Ray Nance juntou-se, substituindo Cootie Williams quem desertou para Benny Goodman. Além disso, Nance adicionou violino às cores instrumentais que Ellington tinha à sua disposição. Existem gravações do primeiro show de Nance em 7 de novembro de 1940, em Fargo, Dakota do Norte. Feito em privado por Jack Towers e Dick Burris, essas gravações foram emitidas pela primeira vez legitimamente em 1978 como Duke Ellington em Fargo, 1940 ao vivo; estão entre as primeiras das inúmeras apresentações ao vivo que sobreviveram. Nance também era um vocalista ocasional, embora Herb Jeffries foi o principal vocalista masculino nesta época (até 1943) enquanto Al Hibbler (que substituiu Jeffries em 1943) continuou até 1951. Ivie Anderson saiu em 1942 por motivos de saúde após 11 anos, o período mais longo de qualquer um dos vocalistas de Ellington.[40]

Mais uma vez gravando para Victor (de 1940), com os pequenos grupos sendo lançados em seu pássaro azul etiqueta, obras-primas de três minutos em Registro de 78 rpm lados continuaram a fluir de Ellington, Billy Strayhorn, filho de Ellington Mercer Ellington, e membros da orquestra. "Cauda de algodão", "Haste principal", "Harlem Air Shaft"," Jack the Bear "e dezenas de outros datam desse período. Strayhorn's"Pegue o trem "A"", sucesso de 1941, passou a ser tema da banda, substituindo"East St. Louis Toodle-Oo". Ellington e seus associados escreveram para uma orquestra de vozes distintas que exibiram uma tremenda criatividade.[41] Mary Lou Williams, trabalhando como arranjador de equipe, ingressaria brevemente em Ellington alguns anos depois.

O objetivo de longo prazo de Ellington, entretanto, era estender a forma do jazz a partir do limite de três minutos, do qual ele era um mestre reconhecido.[42] Embora ele já tivesse composto e gravado algumas peças extensas antes, essas obras agora se tornaram uma característica regular da produção de Ellington. Nisso, ele foi ajudado por Strayhorn, que teve um treinamento mais completo nas formas associadas à música clássica do que Ellington. O primeiro deles, Preto, Marrom e Bege (1943), dedicou-se a contar a história dos afro-americanos, e o lugar da escravidão e da igreja em sua história. Preto, Marrom e Bege estreou em Carnegie Hall em 23 de janeiro de 1943, começando uma série anual de shows de Ellington no local durante os próximos quatro anos. Embora alguns músicos de jazz tenham tocado no Carnegie Hall antes, nenhum havia tocado algo tão elaborado quanto o trabalho de Ellington. Infelizmente, começando um padrão regular, os trabalhos mais longos de Ellington geralmente não eram bem recebidos.

Uma exceção parcial foi Pule para a Alegria, um musical de longa metragem baseado em temas da identidade afro-americana, estreado em 10 de julho de 1941, no Teatro maia em Los Angeles. Luminares de Hollywood, como atores John Garfield e Mickey Rooney investiu na produção, e Charlie Chaplin e Orson Welles se ofereceu para dirigir.[43] Em uma apresentação, porém, Garfield insistiu que Herb Jeffries, que tinha pele clara, deveria usar maquiagem. Ellington se opôs no intervalo e comparou Jeffries a Al Jolson. A mudança foi revertida, e o cantor comentou posteriormente que o público deve ter pensado que ele era um personagem totalmente diferente na segunda metade do show.[44]

Embora tenha lotado apresentações e recebido críticas positivas,[45] teve apenas 122 apresentações até 29 de setembro de 1941, com um breve reavivamento em novembro daquele ano. Seu assunto não o tornava atraente para a Broadway; Ellington tinha planos não cumpridos de levá-lo para lá.[46] Apesar dessa decepção, uma produção da Broadway de Ellington's Feriado do mendigo, seu único livro musical, estreado em 23 de dezembro de 1946,[47] sob a direção de Nicholas Ray.

O assentamento do primeira proibição de gravação de 1942-1943, levando a um aumento nos royalties pagos aos músicos, teve um sério efeito na viabilidade financeira das big bands, incluindo a Ellington's Orchestra. Sua renda como compositor acabou subsidiando-o. Embora ele sempre gastasse muito e extraísse uma renda respeitável das operações da orquestra, a renda da banda muitas vezes apenas cobria as despesas.[48]

Primeiros anos do pós-guerra

Músicos alistados no exército e restrições de viagens dificultaram as turnês das big bands e a dança ficou sujeita a um novo imposto, que continuou por muitos anos, afetando as escolhas dos donos dos clubes. Quando a Segunda Guerra Mundial terminou, o foco da música popular estava mudando para cantores como Frank sinatra e Jo Stafford. À medida que o custo de contratação de grandes bandas aumentava, os proprietários de clubes agora consideravam grupos de jazz menores mais econômicos. Algumas das novas obras de Ellington, como o recurso vocal sem palavras "Transblucency" (1946) com Kay Davis, não teria um alcance semelhante ao das estrelas emergentes.

Ellington posa com seu piano no KFG Radio Studio em 3 de novembro de 1954.

Ellington continuou em seu próprio curso através dessas mudanças tectônicas. Enquanto Count Basie foi forçado a separar todo o seu ensemble e trabalhar como um octeto por um tempo, Ellington foi capaz de fazer uma turnê pela Europa Ocidental entre 6 de abril e 30 de junho de 1950, com a orquestra tocando 74 datas em 77 dias.[49] Durante a turnê, de acordo com Sonny Greer, as obras mais recentes não foram executadas, embora a composição estendida de Ellington, Harlem (1950) estava em processo de conclusão nesta época. Ellington mais tarde apresentou sua trilha ao presidente amante da música Harry Truman. Também durante sua estada na Europa, Ellington compôs a música para uma produção teatral de Orson Welles. Intitulado O tempo passa em Paris[50] e Uma noite com Orson Welles dentro Frankfurt, o programa de variedades também apresentou um recém-descoberto Eartha Kitt, que cantou a música original de Ellington "Hungry Little Trouble" como Helena de Tróia.[51]

Em 1951, Ellington sofreu uma perda significativa de pessoal: Sonny Greer, Lawrence Brown e, o mais importante, Johnny Hodges deixado para seguir outros empreendimentos, embora apenas Greer fosse um partidário permanente. Baterista Louie Bellson substituiu Greer, e seu "Skin Deep" foi um sucesso para Ellington. Tenor Paul Gonsalves ingressou em dezembro de 1950[49] depois de períodos com Count Basie e Dizzy Gillespie e ficou pelo resto de sua vida, enquanto Clark Terry ingressou em novembro de 1951.[52]

Durante o início dos anos 1950, a carreira de Ellington estava em um ponto baixo, com seu estilo sendo geralmente visto como antiquado, mas sua reputação não sofreu tanto quanto alguns artistas. André Previn disse em 1952: "Você sabe, Stan Kenton pode ficar na frente de mil violinos e mil metais e fazer um gesto dramático e todo arranjador de estúdio pode balançar a cabeça e dizer: Oh, sim, isso é feito assim. Mas Duke apenas levanta o dedo, três chifres fazem um som, e eu não sei o que é! "[53] No entanto, em 1955, após três anos gravando para Capitol, Ellington não tinha uma afiliação de gravação regular.

Reavivamento de carreira

A aparição de Ellington no Festival de Jazz de Newport em 7 de julho de 1956 o trouxe de volta à maior proeminência e o apresentou a uma nova geração de fãs. A característica "Diminuendo e Crescendo em Azul"compreendia duas músicas que estavam no livro da banda desde 1937, mas em grande parte esquecidas até Ellington, que encerrou abruptamente o set programado da banda devido à chegada tardia de quatro músicos principais, chamou as duas músicas quando a hora se aproximava da meia-noite. Anunciando que as duas peças seriam separadas por um interlúdio tocado pelo saxofonista tenor Paul Gonsalves, Ellington passou a liderar a banda através das duas peças, com o solo da maratona de 27 coros de Gonsalves levando a multidão ao frenesi, levando o Maestro a tocar muito além do toque de recolher, apesar dos apelos urgentes do organizador do festival George Wein para encerrar o programa.

O show foi manchete internacional, levando a um de apenas cinco Tempo histórias de capa de revistas dedicadas a um músico de jazz,[54] e resultou em um álbum produzido por George Avakian que se tornaria o LP mais vendido da carreira de Ellington.[55] Grande parte da música no LP de vinil foi, na verdade, simulada, com apenas cerca de 40% do próprio show. De acordo com Avakian, Ellington estava insatisfeito com alguns aspectos da apresentação e sentiu que os músicos estavam ensaiados.[55] A banda se reuniu no dia seguinte para regravar vários números com a adição do som falso de uma multidão, nenhum dos quais foi divulgado aos compradores do álbum. Só em 1999 a gravação do show foi devidamente lançada pela primeira vez. A atenção renovada trazida pela aparência de Newport não deveria ter surpreendido ninguém, Johnny Hodges havia retornado no ano anterior,[56] e a colaboração de Ellington com Strayhorn foi renovada na mesma época, em termos mais acessíveis ao homem mais jovem.[57]

O original Ellington em Newport álbum foi o primeiro lançamento em um novo contrato de gravação com Columbia Records que rendeu vários anos de estabilidade de registro, principalmente sob o produtor Irving Townsend, que atraiu produções comerciais e artísticas de Ellington.[58]

Em 1957, CBS (Empresa controladora da Columbia Records) exibiu uma produção de televisão ao vivo de Um tambor é uma mulher, uma suíte alegórica que recebeu críticas mistas. Sua esperança de que a televisão proporcionasse uma nova saída significativa para seu tipo de jazz não se concretizou. Os gostos e tendências seguiram em frente sem ele. Aparições em festivais no novo Festival de Jazz de Monterey e em outros lugares forneceram locais para exposição ao vivo, e uma turnê europeia em 1958 foi bem recebida. Tão doce trovão (1957), com base em De Shakespeare peças e personagens, e Suite Rainha (1958), dedicado à Inglaterra Rainha Elizabeth II, foram produtos do ímpeto renovado que a aparência de Newport ajudou a criar, embora este último trabalho não tenha sido lançado comercialmente na época. O final dos anos 1950 também viu Ella Fitzgerald gravar ela Canções de Duke Ellington (Verve) com Ellington e sua orquestra - um reconhecimento de que as canções de Ellington agora se tornaram parte do cânone cultural conhecido como 'Great American Songbook'.

Por volta dessa época, Ellington e Strayhorn começaram a trabalhar na trilha sonora de um filme pontuação. O primeiro deles foi Anatomia de um Assassinato (1959),[32] um drama de tribunal dirigido por Otto Preminger e apresentando James Stewart, em que Ellington apareceu na frente de um combo de roadhouse. Este foi seguido por Paris Blues (1961), que apresentou Paul Newman e Sidney Poitier como músicos de jazz. Em 2009 Detroit Free Press o crítico musical Mark Stryker escreveu que o trabalho de Ellington e Strayhorn em Anatomia de um Assassinato, é "indispensável, [embora] ... muito incompleto para classificar no escalão superior entre suítes de obras-primas de Ellington-Strayhorn como Tão doce trovão e Suíte The Far East, mas seus momentos mais inspirados são iguais. "[59]

Os historiadores do cinema reconheceram a trilha sonora "como um marco - a primeira música de filme de Hollywood significativa feita por afro-americanos compreendendo não diegético música, isto é, música cuja fonte não é visível ou implícita pela ação no filme, como uma banda na tela. ”A trilha evitou o cultural estereótipos que anteriormente caracterizava partituras de jazz e rejeitava uma aderência estrita aos visuais de maneiras que pressagiavam o Nova onda cinema dos anos 60 ".[60] Ellington e Strayhorn, sempre em busca de novos territórios musicais, produziram suítes para John Steinbeckromance de Doce quinta-feira, Tchaikovskyde Suite Quebra-nozes e Edvard Griegde Peer Gynt.

No início dos anos 1960, Ellington abraçou a gravação com artistas que haviam sido rivais amigáveis ​​no passado, ou eram músicos mais jovens que se concentraram em estilos posteriores. The Ellington e Count Basie orquestras gravadas junto com o álbum Primeira vez! O conde encontra o duque (1961). During a period when Ellington was between recording contracts, he made records with Louis Armstrong (Roleta), Coleman Hawkins, John Coltrane (both for Impulso) and participated in a session with Charles Mingus e Max Roach que produziu o Money Jungle (Artistas Unidos) album. Ele assinou com Frank sinatraé novo Reprise label, but the association with the label was short-lived.

Musicians who had previously worked with Ellington returned to the Orchestra as members: Lawrence Brown in 1960 and Cootie Williams em 1962.

The writing and playing of music is a matter of intent.... You can't just throw a paint brush against the wall and call whatever happens art. My music fits the tonal personality of the player. I think too strongly in terms of altering my music to fit the performer to be impressed by accidental music. You can't take doodling seriously.[13]

He was now performing all over the world; a significant part of each year was spent on overseas tours. As a consequence, he formed new working relationships with artists from around the world, including the Swedish vocalist Alice Babs, and the South African musicians Dollar Brand e Sathima Bea Benjamin (A Morning in Paris, 1963/1997).

Ellington wrote an original score for director Michael Langhamprodução de Shakespeare Timon of Athens no Stratford Festival in Ontario, Canada which opened on July 29, 1963. Langham has used it for several subsequent productions, including a much later adaptation by Stanley Silverman which expands the score with some of Ellington's best-known works.

Últimos anos

Ellington receiving the Medalha Presidencial da Liberdade de President Nixon, 1969.

Ellington was shortlisted for the Prêmio Pulitzer de Música in 1965 but no prize was ultimately awarded that year.[61] Then 66 years old, he joked: "Fate is being kind to me. Fate doesn't want me to be famous too young."[62] In 1999 he was posthumously awarded a special Pulitzer Prize "commemorating the centennial year of his birth, in recognition of his musical genius, which evoked aesthetically the principles of democracy through the medium of jazz and thus made an indelible contribution to art and culture."[4][63]

In September 1965, he premiered the first of his Sacred Concerts. He created a jazz Christian liturgy. Although the work received mixed reviews, Ellington was proud of the composition and performed it dozens of times. This concert was followed by two others of the same type in 1968 and 1973, known as the Second and Third Sacred Concerts. These generated controversy in what was already a tumultuous time in the United States. Many saw the Sacred Music suites as an attempt to reinforce commercial support for organized religion, though Ellington simply said it was "the most important thing I've done".[64] o Steinway piano upon which the Sacred Concerts were composed is part of the collection of the Smithsoniande National Museum of American History. Gostar Haydn e Mozart, Ellington conducted his orchestra from the piano – he always played the keyboard parts when the Sacred Concerts were performed.[65]

Duke turned 65 in the spring of 1964 but showed no signs of slowing down as he continued to make vital and innovative recordings, including The Far East Suite (1966), New Orleans Suite (1970), Latin American Suite (1972) e The Afro-Eurasian Eclipse (1971), much of it inspired by his world tours. It was during this time that he recorded his only album with Frank sinatra, intitulado Francis A. & Edward K. (1967).

Ellington performed what is considered his final full concert in a ballroom at Northern Illinois University on March 20, 1974.[66]

The last three shows Ellington and his orchestra performed were one on March 21, 1973 at Universidade de Purdue's Hall of Music and two on March 22, 1973 at the Sturges-Young Auditorium in Sturgis, Michigan.[67]

Vida pessoal

Ellington in 1973

Ellington married his high school sweetheart, Edna Thompson (d. 1967), on July 2, 1918, when he was 19.[68] The next spring, on March 11, 1919, Edna gave birth to their only son, Mercer Kennedy Ellington.[68]

Ellington was joined in New York City by his wife and son in the late twenties, but the couple soon permanently separated.[69] According to her obituary in Jato magazine, she was "homesick for Washington" and returned.[70] In 1929, Ellington became the companion of Mildred Dixon,[71] who traveled with him, managed Tempo Music, inspired songs, such as "Sophisticated Lady",[72] at the peak of his career, and raised his son.[73][74][75]

Mercer referred to Mildred Dixon as his mother.

In 1938 he left his family (his son was 19) and moved in with Beatrice "Evie" Ellis, a Cotton Club employee.[76] Their relationship, though stormy, continued after Ellington met and formed a relationship with Fernanda de Castro Monte in the early 1960s.[77] Ellington supported both women for the rest of his life.[78]

Ellington's sister Ruth (1915–2004) later ran Tempo Music, his music publishing company.[75] Ruth's second husband was the bass-baritone McHenry Boatwright, whom she met when he sang at her brother's funeral.[79] As an adult, son Mercer Ellington (d. 1996) played trumpet and piano, led his own band, and worked as his father's business manager.[80]

Ellington was a member of Alpha Phi Alpha[81] and was a freemason associated with Maçonaria Prince Hall.[82]

Morte

Ellington died on May 24, 1974, of complications from lung cancer and pneumonia,[83] a few weeks after his 75th birthday. At his funeral, attended by over 12,000 people at the Cathedral of St. John the Divine, Ella Fitzgerald summed up the occasion: "It's a very sad day. A genius has passed."[84]

He was interred in the Cemitério Woodlawn, o Bronx, Cidade de Nova York.[85]

Legado

Memoriais

Numerous memorials have been dedicated to Duke Ellington, in cities from New York and Washington, D.C. to Los Angeles.

In Ellington's birthplace, Washington, D.C., the Duke Ellington School of the Arts educates talented students, who are considering careers in the arts, by providing intensive arts instruction and strong academic programs that prepare students for post-secondary education and professional careers. Originally built in 1935, the Calvert Street Bridge was renamed the Duke Ellington Bridge in 1974. Another school is P.S. 004 Duke Ellington in New York.

In 1989, a bronze plaque was attached to the newly named Duke Ellington Building at 2121 Ward Place, NW.[86] In 2012, the new owner of the building commissioned a mural by Aniekan Udofia that appears above the lettering "Duke Ellington". In 2010 the triangular park, across the street from Duke Ellington's birth site, at the intersection of New Hampshire and M Streets, NW was named the Duke Ellington Park.

Ellington's residence at 2728 Sherman Avenue, NW, during the years 1919–1922,[87] is marked by a bronze plaque.

On February 24, 2009, the United States Mint issued a coin with Duke Ellington on it, making him the first African American to appear by himself on a circulating U.S. coin.[88] Ellington appears on the reverse (tails) side of the District of Columbia trimestre.[88] The coin is part of the U.S. Mint's program honoring the District and the U.S. territories[89] and celebrates Ellington's birthplace in the District of Columbia.[88] Ellington is depicted on the quarter seated at a piano, sheet music in hand, along with the inscription "Justice for All", which is the District's motto.[89]

In 1986 a United States commemorative stamp was issued featuring Ellington's likeness.[90]

Ellington on the Washington, D.C. quarter released in 2009.

Ellington lived out his final years in Manhattan, in a townhouse at 333 Riverside Drive near West 106th Street. His sister Ruth, who managed his publishing company, also lived there, and his son Mercer lived next door. After his death, West 106th Street was officially renamed Duke Ellington Boulevard.

A large memorial to Ellington, created by sculptor Robert Graham, was dedicated in 1997 in New York's Parque Central, perto Quinta Avenida e 110th Street, an intersection named Duke Ellington Circle.

A statue of Ellington at a piano is featured at the entrance to UCLA's Schoenberg Hall. De acordo com UCLA revista:

When UCLA students were entranced by Duke Ellington's provocative tunes at a Culver City club in 1937, they asked the budding musical great to play a free concert in Royce Hall. 'I've been waiting for someone to ask us!' Ellington exclaimed.On the day of the concert, Ellington accidentally mixed up the venues and drove to USC instead. He eventually arrived at the UCLA campus and, to apologize for his tardiness, played to the packed crowd for more than four hours. And so, "Sir Duke" and his group played the first-ever jazz performance in a concert venue.[91]

o Essentially Ellington High School Jazz Band Competition and Festival is a nationally renowned annual competition for prestigious high school bands. Started in 1996 at Jazz at Lincoln Center, the festival is named after Ellington because of the large focus that the festival places on his works.

Homenagens

After Duke died, his son Mercer took over leadership of the orchestra, continuing until his own death in 1996. Like the Orquestra Count Basie, this "ghost band" continued to release albums for many years. Digital Duke, credited to The Duke Ellington Orchestra, won the 1988 Prêmio Grammy de Melhor Álbum de Grande Conjunto de Jazz. Mercer Ellington had been handling all administrative aspects of his father's business for several decades. Mercer's children continue a connection with their grandfather's work.

Gunther Schuller wrote in 1989:

Ellington composed incessantly to the very last days of his life. Music was indeed his mistress; it was his total life and his commitment to it was incomparable and unalterable. In jazz he was a giant among giants. And in twentieth century music, he may yet one day be recognized as one of the half-dozen greatest masters of our time.[92]

Martin Williams said: "Duke Ellington lived long enough to hear himself named among our best composers. And since his death in 1974, it has become not at all uncommon to see him named, along with Charles Ives, as the greatest composer we have produced, regardless of category."[93]

In the opinion of Bob Blumenthal of The Boston Globe in 1999: "[i]n the century since his birth, there has been no greater composer, American or otherwise, than Edward Kennedy Ellington."[94]

In 2002, scholar Molefi Kete Asante listed Duke Ellington on his list of 100 Greatest African Americans.[95]

Star on the Calçada da Fama de Hollywood at 6535 Hollywood Blvd.

His compositions have been revisited by artists and musicians around the world both as a source of inspiration and a bedrock of their own performing careers.

There are hundreds of albums dedicated to the music of Duke Ellington and Billy Strayhorn by artists famous and obscure. Sophisticated Ladies, an award-winning 1981 musical revue, incorporated many tunes from Ellington's repertoire. A second Broadway musical interpolating Ellington's music, Play On!, debuted in 1997.

Loss of material

Em 25 de junho de 2019, The New York Times Magazine listed Duke Ellington among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the Incêndio universal de 2008.[97]

Discografia

Premios e honras

prêmio Grammy

Ellington earned 14 Grammy awards from 1959 to 2000, three of which were posthumous and a total of 24 nominations

Duke Ellington Prêmio Grammy História[98][90]
AnoCategoriaTítuloGêneroResultado
1999Historical AlbumThe Duke Ellington Centennial Edition
RCA Victor Recordings (1927–1973)
JazzGanhou
1979Best Jazz Instrumental Performance, Big BandDuke Ellington At Fargo, 1940 LiveJazzGanhou
1976Best Jazz Performance By A Big BandThe Ellington SuitesJazzGanhou
1972Best Jazz Performance By A Big BandTogo Brava SuiteJazzGanhou
1971Best Jazz Performance By A Big BandNew Orleans SuiteJazzGanhou
1971Melhor Composição InstrumentalNew Orleans SuiteComposing/ArrangingNomeado
1970Best Instrumental Jazz Performance – Large Group or Soloist with Large GroupDuke Ellington - 70th Birthday ConcertJazzNomeado
1968Trustees AwardNational Trustees Award - 1968Prêmios EspeciaisGanhou
1968Best Instrumental Jazz Performance – Large Group
Or Soloist With Large Group
...And His Mother Called Him BillJazzGanhou
1967Best Instrumental Jazz Performance, Large Group
Or Soloist With Large Group
Far East SuiteJazzGanhou
1966Bing Crosby Award - Name changed to GRAMMY Lifetime Achievement Award in 1982.Bing Crosby Award - Name changed to GRAMMY Lifetime Achievement Award in 1982.Prêmios EspeciaisGanhou
1966Best Original Jazz Composition"In The Beginning God"JazzGanhou
1966Best Instrumental Jazz Performance – Group or Soloist with GroupConcert Of Sacred Music (Album)JazzNomeado
1965Best Instrumental Jazz Performance -
Large Group Or Soloist With Large Group
Ellington '66JazzGanhou
1965Best Original Jazz CompositionVirgin Islands SuiteJazzNomeado
1964Best Original Jazz CompositionNight CreatureJazzNomeado
1964Best Jazz Performance – Large Group (Instrumental)Primeira vez! (Album)JazzNomeado
1961Best Instrumental Theme or Instrumental Version of SongParis BluesComposing/ArrangingNomeado
1961Best Sound Track Album or Recording of Score from Motion Picture or TelevisionParis Blues (Motion Picture) (Album)Music for Visual MediaNomeado
1960Best Jazz Performance Solo or Small GroupBack To Back - Duke Ellington And Johnny Hodges Play The BluesJazzNomeado
1960Best Jazz Composition of More Than Five Minutes DurationIdiom '59JazzNomeado
1959Best Performance By A Dance BandAnatomy of a MurderPopGanhou
1959Best Musical Composition First Recorded
And Released In 1959
(More Than 5 Minutes Duration)
Anatomy of a MurderComposingGanhou
1959Best Sound Track Album – Background Score
From A Motion Picture Or Television
Anatomy of a MurderComposingGanhou
1959Best Jazz Performance - GroupEllington Jazz Party (Album)JazzNomeado

Grammy Hall of Fame

Recordings of Duke Ellington were inducted into the Grammy Hall of Fame, which is a special Grammy award established in 1973 to honor recordings that are at least 25 years old, and that have qualitative or historical significance.

Duke Ellington: Grammy Hall of Fame Award[99]
Year RecordedTítuloGêneroRótuloAno de posse
1932"Não significa nada (se não tiver esse swing)"Jazz (single)Brunswick2008
1934"Cocktails for Two"Jazz (single)Vencedor2007
1957Ellington at NewportJazz (album)Columbia2004
1956"Diminuendo and Crescendo in Blue"Jazz (single)Columbia1999
1967Far East SuiteJazz (album)RCA1999
1944Black, Brown and BeigeJazz (single)RCA Victor1990
1928"Black and Tan Fantasy"Jazz (single)Vencedor1981
1941"Pegue o trem "A""Jazz (single)Vencedor1976
1931"Mood Indigo"Jazz (single)Brunswick1975

Honors and inductions

AnoCategoriaNotas
2009Commemorative U.S. quarterD.C. and U.S. Territories Quarters Program.[100][101]
2008Gennett Records Calçada da fama
2004Nesuhi Ertegun Jazz Hall of Fame
em Jazz at Lincoln Center
1999prêmio PulitzerSpecial Citation[4]
1992Oklahoma Jazz Hall of Fame
198622¢ commemorative U.S. stampIssued April 29, 1986[102]
1978Big Band e Jazz Hall of Fame
1973francês Legião de honra[103]July 6, 1973
1973Honorary Degree in Music from Universidade ColumbiaMay 16, 1973
1971Honorary Doctorate Degree from Berklee College of Music
1971Honorary Doctor of Music from Howard University[104]
1971Songwriters Hall of Fame
1969Medalha Presidencial da Liberdade
1968Prêmio Grammy TrusteesSpecial Merit Award
1967Honorary Doctor of Music Degree from Universidade de Yale[105][106]
1966Prêmio Grammy pelo conjunto de sua obra
1964Honorary degree, Milton College, Wisconsin
1959NAACP Spingarn Medal
1957Deutscher Filmpreis: Best MusicAward won for the movie Jonah with fellow composer Winfried Zillig
1956DownBeat Jazz Hall of Fame inductee

Veja também

Referências

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Leitura adicional

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